Biografía de Milton Avery, pintor modernista estadounidense.

Milton Avery (7 de marzo de 1885 - 3 de enero de 1965) fue un pintor modernista estadounidense. Creó un estilo único de arte representativo, abstraído en sus formas y colores más básicos. Su fama como artista aumentó y disminuyó durante su vida, pero las reevaluaciones más recientes lo ubican entre los artistas estadounidenses más importantes del siglo XX.

Datos rápidos: Milton Avery

Nacido hijo de un curtidor, Milton Avery se convirtió en un artista trabajador relativamente tarde en la vida. Su familia vivía en el estado de Nueva York cuando nació, y se mudaron a Connecticut cuando tenía 13 años. Avery comenzó a trabajar en Hartford Machine and Screw Company a los 16 años y comenzó a trabajar en una amplia gama de trabajos de fábrica para mantenerse a sí mismo y a su familia. En 1915, cuando tenía 30 años, la muerte de un cuñado dejó a Avery como el único hombre adulto en una familia de 11.

Mientras trabajaba en fábricas, Milton Avery asistió a una clase de letras impartida por la Liga de Estudiantes de Arte de Connecticut. Desafortunadamente, el curso se cerró después del primer mes. El fundador de la liga, Charles Noel Flagg, intervino y alentó a Avery a asistir a una clase de dibujo de vida. Siguió el consejo y comenzó a asistir a clases de arte por las noches después de trabajar ocho horas en la fábrica.

En 1920, Avery pasó el verano en Gloucester, Massachusetts, para pintar desde la naturaleza al estilo plein-air. Fue el primero de muchos veranos que pasaría buscando inspiración para pintar admirando entornos naturales. En el verano de 1924, conoció a Sally Michel y comenzó una relación romántica. Después de que la pareja se casó en 1926, tomaron la decisión poco convencional de que Sally los apoyara a través de su trabajo de ilustración para que Milton pudiera continuar sus estudios de arte sin distracciones. "Harbour Scene" y su representación tranquila de barcos en un puerto deportivo es representativa del trabajo de Avery durante este período.

Cuando Milton y Sally se mudaron a la ciudad de Nueva York a fines de la década de 1920, la pintura de Milton todavía era muy tradicional, y se inspiró en gran medida en los clásicos. impresionismo. Después de la mudanza, una conversión al modernismo permitió el desarrollo del estilo maduro de Avery.

Una de las influencias más fuertes de Milton Avery en el desarrollo de su pintura fue el trabajo de postimpresionista Pintor francés Henri Matisse. Los colores brillantes y el aplanamiento de la perspectiva en dos dimensiones son elementos cruciales del enfoque de Avery. Las similitudes eran tan evidentes que a veces se refería a Avery como el "Fauve americano", en referencia al movimiento francés de principios del siglo XX. Fauvismo, que se desvió del realismo estricto a un énfasis de colores brillantes en las formas y las pinceladas.

Avery encontró difícil ser aceptado en la corriente principal del arte de Nueva York de la década de 1930, que estaba dominada por el realismo social arenoso, por un lado, y el alcance de la abstracción pura no representativa en el otro. Muchos observadores lo consideraron anticuado en su búsqueda de un estilo que abstrajera el mundo real en su colores y formas brillantes más básicos, pero se negaron firmemente a abandonar un apego representativo a realidad.

A pesar de la falta de aceptación generalizada, Avery encontró el aliento de dos individuos específicos en la década de 1930. El famoso financiero de Wall Street y mecenas del arte moderno Roy Neuberger creía que el trabajo de Milton Avery merecía una atención más amplia. Comenzó a coleccionar el trabajo del artista con la pintura "Paisaje de Gaspe", que todavía colgaba en la pared del apartamento de Neuberger a su muerte en 2010. Finalmente, compró más de 100 pinturas de Avery y finalmente donó muchas a museos de todo el mundo. La presencia del trabajo de Avery en colecciones de todo el mundo ayudó a hacer crecer su reputación décadas después de su muerte.

En la década de 1930, Avery también se hizo amiga íntima de otros artistas. Mark Rothko. El trabajo de Avery influyó fuertemente en las pinturas de campo de color de este último. Más tarde, Rothko escribió que el trabajo de Milton Avery tiene un "lirismo apasionante".

Después de una exposición individual en la Colección Phillips en Washington, DC, en 1944, la estrella de Avery finalmente comenzó a ascender. Fue objeto de dos exposiciones simultáneas de 1945 en galerías operadas por Paul Rosenberg y Durand-Ruel en Nueva York. A medida que se acercaba el final de la década, Avery era uno de los mejores pintores modernistas estadounidenses que trabajaban en Nueva York.

La tragedia golpeó en 1949. Milton Avery sufrió un ataque cardíaco masivo. Creó problemas de salud continuos de los que el artista nunca se recuperó por completo. El comerciante de arte Paul Rosenberg dio otro golpe al terminar su relación con Avery en 1950 y vender su stock de 50 pinturas a Roy Neuberger a un precio bajo. El impacto redujo instantáneamente el precio de venta de nuevas obras de Avery.

A pesar de los golpes a su reputación profesional, Avery continuó trabajando cuando recuperó la fuerza suficiente para crear nuevas pinturas. A finales de la década de 1950, el mundo del arte comenzó a echar un vistazo a su obra. En 1957, el famoso crítico de arte Clement Greenberg escribió que subestimó el valor del trabajo de Milton Avery. En 1960, el Museo Whitney de Arte Americano celebró una retrospectiva de Avery.

Avery pasó los veranos desde 1957 hasta 1960 en Provincetown, Massachusetts, junto al océano. Fue la inspiración para los colores llamativos y el tamaño masivo de su trabajo al final de su carrera. Los historiadores del arte creen que el trabajo a gran escala de expresionista abstracto los pintores afectaron la decisión de Avery de crear pinturas de seis pies de ancho.

Una pieza como "Clear Cut Landscape" de Milton Avery muestra su estilo de carrera tardía. Las formas básicas son casi lo suficientemente simples como para ser recortes de papel, pero aún son discernibles como elementos de una vista del paisaje. Los colores llamativos hacen que la pintura prácticamente salte del lienzo para el espectador.

Aunque Avery recuperó un grado de aceptación entre los críticos de arte y los historiadores, nunca más volvió a alcanzar el nivel de fama que experimentó en la década de 1940. Es difícil saber si el aumento y la caída de la aclamación tuvieron un impacto personal en el artista. Escribió muy poco sobre su vida y rara vez hizo apariciones públicas. Su trabajo se deja hablar por sí mismo.

Milton Avery sufrió otro ataque cardíaco a principios de la década de 1960, y pasó los últimos años de su vida en un hospital del Bronx en la ciudad de Nueva York. Murió en silencio en 1965. Su esposa, Sally, donó sus documentos personales a la Institución Smithsonian.

La reputación de Avery entre los artistas estadounidenses del siglo XX aumentó aún más en las décadas posteriores a su muerte. Su pintura encontró un punto medio único entre la representación y la abstracción. Una vez que desarrolló su estilo maduro, Avery se mantuvo firme en la búsqueda de su musa. Aunque sus lienzos se hicieron más grandes y los colores más audaces al final de su carrera, sus pinturas fueron un refinamiento del trabajo anterior y no un cambio de dirección.

Pintores de campo de color como Mark Rothko, Barnett Newman y Hans Hofmann quizás tengamos la deuda más significativa con el nuevo terreno abierto por Milton Avery. Él demostró una forma de abstraer su trabajo en las formas y colores más elementales, manteniendo un fuerte vínculo con la esencia real de su tema.

• Haskell, Barbara. Milton Avery. Harper & Row, 1982.
• Hobbs, Robert. Milton Avery: las pinturas tardías. Harry N. Abrams, 2011.