Ser un artista famoso en tu vida no es garantía de que otros artistas te recuerden. ¿Ha oído hablar del pintor francés Ernest Meissonier?
Fue contemporáneo de Edouard Manet y, con mucho, el artista más exitoso en lo que respecta a la aclamación de la crítica y las ventas. Lo contrario también es cierto, con Vincent van Gogh. Van Gogh confió en su hermano, Theo, para que le proporcionara pintura y lienzos, sin embargo, hoy sus pinturas alcanzan precios récord cada vez que aparecen en una subasta de arte, y él es un nombre familiar.
Mirar pinturas famosas del pasado y el presente puede enseñarle muchas cosas, incluida la composición y el manejo de la pintura. Aunque probablemente la lección más importante es que, en última instancia, debes pintar para ti mismo, no para un mercado o la posteridad.
"Ronda de noche" - Rembrandt
La pintura "Night Watch" de Rembrandt está en el
Rijksmuseum en Amsterdam. Como muestra la foto, es un cuadro enorme: 363x437cm (143x172 "). Rembrandt lo terminó en 1642. Su verdadero título es "La empresa de Frans Banning Cocq y Willem van Ruytenburch", pero es más conocido como el Vision nocturna. (Una empresa que es un guardia de la milicia).La composición de la pintura fue muy diferente para la época. En lugar de mostrar las figuras de forma pulcra y ordenada, donde a todos se les dio el mismo protagonismo y espacio en el lienzo, Rembrandt las ha pintado como un grupo ocupado en acción.
Alrededor de 1715 se pintó un escudo en la "Guardia Nocturna" que contenía los nombres de 18 personas, pero solo algunos de los nombres habían sido identificados. (Así que recuerde si pinta un retrato de grupo: dibuje un diagrama en la parte posterior que vaya con los nombres de todos los futuros generaciones sabrán!) En marzo de 2009, el historiador holandés Bas Dudok van Heel finalmente desentrañó el misterio de quién es quién en el pintura. Su investigación incluso encontró prendas de vestir y accesorios representados en la "Ronda de noche" que se menciona en los inventarios de fincas familiares, que luego cotejó con la edad de los varios milicianos en 1642, el año en que la pintura fue terminado.
Dudok van Heel también descubrió que en la sala donde se colgó por primera vez "La ronda de noche" de Rembrandt, había seis grupos retratos de una milicia originalmente mostrados en una serie continua, no seis pinturas separadas como se ha hecho durante mucho tiempo pensamiento. Más bien, los seis retratos grupales de Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart y Flinck formaron un friso ininterrumpido que coincidía con el otro y se fijaba en los paneles de madera de la habitación. O esa era la intención. La "ronda de noche" de Rembrandt no encaja con las otras pinturas ni en composición ni en color. Parece que Rembrandt no se adhirió a los términos de su comisión. Pero claro, si lo hubiera hecho, nunca hubiéramos tenido este retrato de grupo sorprendentemente diferente del siglo XVII.
"Liebre" - Alberto Durero
Comúnmente conocido como el conejo de Durero, el título oficial de esta pintura lo llama liebre. La pintura está en la colección permanente de la Colección Batliner del Museo Albertina en Viena, Austria.
Se pintó con acuarela y gouache, con los reflejos blancos hechos en gouache (en lugar de ser el blanco sin pintar del papel).
Es un ejemplo espectacular de cómo se pueden pintar las pieles. Para emularlo, el enfoque que adopte dependerá de la paciencia que tenga. Si tienes montones, pintarás con un pincel fino, un pelo a la vez. De lo contrario, utilice una técnica de pincel seco o divida los pelos con un pincel. La paciencia y la resistencia son esenciales. Si trabaja demasiado rápido sobre pintura húmeda, los trazos individuales corren el riesgo de difuminarse. No continúes por mucho tiempo y el pelaje parecerá raído.
Fresco de techo de la Capilla Sixtina - Miguel Ángel
La pintura de Miguel Ángel del techo de la Capilla Sixtina es uno de los frescos más famosos del mundo.
La Capilla Sixtina es una gran capilla en el Palacio Apostólico, la residencia oficial del Papa (el líder de la Iglesia Católica) en la Ciudad del Vaticano. Tiene muchos frescos pintados por algunos de los nombres más importantes del Renacimiento, incluidos los frescos de las paredes de Bernini y Rafael, pero es más famoso por los frescos del techo de Miguel Ángel.
Miguel Ángel nació el 6 de marzo de 1475 y murió el 18 de febrero de 1564. Encargado por el Papa Julio II, Miguel Ángel trabajó enel techo de la Capilla Sixtina desde mayo de 1508 hasta octubre de 1512 (no se realizaron obras entre septiembre de 1510 y agosto de 1511). La capilla fue inaugurada el 1 de noviembre de 1512, fiesta de Todos los Santos.
La capilla tiene 40,23 metros de largo, 13,40 metros de ancho y el techo a 20,70 metros del suelo en su punto más alto.1. Miguel Ángel pintó una serie de escenas bíblicas, profetas y antepasados de Cristo, así como trompe l'oeil o elementos arquitectónicos. El área principal del techo representa historias de historias del libro de Génesis, incluida la creación de la humanidad, la caída del hombre en desgracia, el diluvio y Noé.
Techo de la Capilla Sixtina: un detalle
El panel que muestra la creación del hombre es probablemente la escena más conocida del famoso fresco de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina.
La Capilla Sixtina en el Vaticano tiene muchos frescos pintados, pero es más famosa por los frescos del techo de Miguel Ángel. Expertos en arte del Vaticano realizaron una extensa restauración entre 1980 y 1994, eliminando siglos de humo de velas y trabajos de restauración anteriores. Esto reveló colores mucho más brillantes de lo que se pensaba anteriormente.
Los pigmentos que utilizó Miguel Ángel incluían ocre para los rojos y amarillos, silicatos de hierro para los verdes, lapislázuli para los azules y carbón para el negro.1 No todo está pintado con tanto detalle como parece. Por ejemplo, las figuras en primer plano están pintadas con más detalle que las del fondo, lo que aumenta la sensación de profundidad en el techo.
Más sobre la Capilla Sixtina:
• Museos Vaticanos: Capilla Sixtina
• Tour virtual de la Capilla Sixtina
Fuentes:
1 Museos Vaticanos: Capilla Sixtina, sitio web del Estado de la Ciudad del Vaticano, consultado el 9 de septiembre de 2010.
Cuaderno Leonardo da Vinci
El artista renacentista Leonardo da Vinci es famoso no solo por sus pinturas sino también por sus cuadernos. Esta foto muestra una en el Museo V&A de Londres.
El Museo V&A de Londres tiene cinco de los cuadernos de Leonardo da Vinci en su colección. Este, conocido como Codex Forster III, fue utilizado por Leonardo da Vinci entre 1490 y 1493 cuando trabajaba en Milán para el duque Ludovico Sforza.
Es un cuaderno pequeño, del tipo de tamaño que se puede guardar fácilmente en el bolsillo de un abrigo. Está lleno de todo tipo de ideas, notas y bocetos, incluidos "bocetos de las patas de un caballo, dibujos de sombreros y ropa que pueden haber sido ideas para disfraces en bailes, y un relato de la anatomía del ser humano cabeza."1 Si bien no puede pasar las páginas del cuaderno en el museo, puede hojearlo en línea.
Leer su letra no es fácil, entre el estilo caligráfico y su uso de la escritura espejo. (al revés, de derecha a izquierda) pero a algunos les resulta fascinante ver cómo pone todo tipo de cosas en una computadora portátil. Es un cuaderno de trabajo, no una obra maestra. Si alguna vez te preocupó que tu diario de creatividad no se hizo u organizó correctamente de alguna manera, tome la iniciativa de este maestro: hágalo como lo necesite.
Fuente:
1. Explore los Códices Forster, Museo V&A. (Consultado el 8 de agosto de 2010.)
"La Mona Lisa" - Leonardo da Vinci
Leonardo da VinciLa pintura de "Mona Lisa", en el Louvre de París, es posiblemente la pintura más famosa del mundo. Probablemente también sea el ejemplo más conocido de sfumato, una técnica de pintura en parte responsable de su enigmática sonrisa.
Se ha especulado mucho sobre quién era la mujer del cuadro. Se cree que es un retrato de Lisa Gherardini, esposa de un comerciante de telas florentino llamado Francesco del Giocondo. (El escritor de arte del siglo XVI Vasari fue uno de los primeros en sugerir esto, en su "Vidas de los artistas"). También se ha sugerido que la razón de su sonrisa fue que estaba embarazada.
Los historiadores del arte saben Leonardo había comenzado la "Mona Lisa" en 1503, como un registro de ello fue hecho ese año por un alto funcionario florentino, Agostino Vespucci. Cuando terminó, es menos seguro. El Louvre originalmente fechó la pintura en 1503-06, pero los descubrimientos hechos en 2012 sugieren que puede haber sido tanto como un década más tarde, antes de que se terminara, basado en que el fondo se basaba en un dibujo de rocas que se sabe que hizo en 1510-15.1 El Louvre cambió las fechas a 1503-19 en marzo de 2012.
Fuente:
1. Mona Lisa podría haberse completado una década más tarde de lo que se pensaba en The Art Newspaper, de Martin Bailey, 7 de marzo de 2012 (consultado el 10 de marzo de 2012).
Pintores famosos: Monet en Giverny
Fotos de referencia para la pintura: "El jardín de Giverny" de Monet.
Parte de la razón por la que el pintor impresionista Claude Monet es tan famoso son sus pinturas de los reflejos en los estanques de nenúfares que creó en su gran jardín en Giverny. Inspiró durante muchos años, hasta el final de su vida. Esbozó ideas para pinturas inspiradas en los estanques y creó pinturas pequeñas y grandes tanto como obras individuales como en serie.
Firma de Claude Monet
Este ejemplo de cómo Monet firmó sus pinturas es de una de sus pinturas de nenúfares. Se puede ver que lo firmó con un nombre y apellido (Claude Monet) y el año (1904). Está en la esquina inferior derecha, lo suficientemente adentro para que el marco no lo corte.
El nombre completo de Monet era Claude Oscar Monet.
"Impression Sunrise" - Monet
Esta pintura de Monet dio el nombre a la estilo impresionista de arte. Lo exhibió en 1874 en París en lo que se conoció como la Primera Exposición Impresionista.
En su reseña de la exposición que tituló "Exposición de impresionistas", el crítico de arte Louis Leroy dijo:
"El papel tapiz en su estado embrionario está más terminado que ese paisaje marino."
Fuente:
1. "L'Exposition des Impressionnistes" de Louis Leroy, Le Charivari, 25 de abril de 1874, París. Traducido por John Rewald en La historia del impresionismo, Moma, 1946, p256-61; citado en Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History por Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.
Serie "Pajares" - Monet
Monet a menudo pintaba una serie del mismo tema para capturar los efectos cambiantes de la luz, intercambiando lienzos a medida que avanzaba el día.
Monet pintó muchos temas una y otra vez, pero cada una de las pinturas de su serie es diferente, ya sea una pintura de un nenúfar o un pajar. Como las pinturas de Monet se encuentran dispersas en colecciones de todo el mundo, por lo general solo en exposiciones especiales las pinturas de su serie se ven como un grupo. Afortunadamente, el Instituto de arte en Chicago tiene varias de las pinturas de los pajar de Monet en su colección, ya que hacen impresionantes viendo juntos:
- Pila de trigo
- Deshielo, Atardecer
- Puesta de sol, efecto nieve
- Efecto de nieve, día nublado
- Fin del verano
En octubre de 1890, Monet escribió una carta al crítico de arte Gustave Geffroy sobre la serie de pajares que estaba pintando, diciendo:
"Soy duro en eso, trabajando obstinadamente en una serie de efectos diferentes, pero en esta época del año el sol se pone tan rápido que es imposible seguirle el ritmo... cuanto más me alejo, más veo que hay que trabajar mucho para poder renderizar lo que busco: 'instantaneidad', la 'envolvente' sobre todo, la misma luz esparcida por todo... Estoy cada vez más obsesionado con la necesidad de plasmar lo que experimento, y rezo para que me queden algunos años más buenos porque creo que puedo avanzar en esa dirección... " 1
Fuente:
1. Monet por sí mismo, p172, editado por Richard Kendall, MacDonald & Co, Londres, 1989.
"Nenúfares" - Claude Monet
Claude Monet, "Nenúfares", c. 19140-17, óleo sobre lienzo. Tamaño 65 3/8 x 56 pulgadas (166,1 x 142,2 cm). En la colección del Museos de Bellas Artes de San Francisco.
Monet es quizás el más famoso de los impresionistas, especialmente por sus pinturas de los reflejos en el estanque de nenúfares en su jardín de Giverny. Esta pintura en particular muestra una pequeña nube en la esquina superior derecha y los azules moteados del cielo reflejados en el agua.
Si estudias fotos del jardín de Monet, como esta del estanque de lirios de Monet y esta de flores de lirio, y las comparas con esta pintura, tener una idea de cómo Monet redujo los detalles en su arte, incluyendo solo la esencia de la escena, o la impresión del reflejo, el agua y el lirio flor. Haga clic en el enlace "Ver en tamaño completo" debajo de la foto de arriba para obtener una versión más grande en la que sea más fácil familiarizarse con la pincelada de Monet.
El poeta francés Paul Claudel dijo:
“Gracias al agua, [Monet] se ha convertido en el pintor de lo que no podemos ver. Se dirige a esa superficie espiritual invisible que separa la luz del reflejo. Airy azul cautivo de líquido azul... El color se eleva desde el fondo del agua en nubes, en remolinos ".
Fuente:
Página 262 El arte de nuestro siglo, por Jean-Louis Ferrier y Yann Le Pichon
Firma de Camille Pissarro
El pintor Camille Pissarro tiende a ser menos conocido que muchos de sus contemporáneos (como Monet), pero tiene un lugar único en la línea de tiempo del arte. Trabajó como impresionista y neoimpresionista, además de influir en artistas ahora famosos como Cézanne, Van Gogh y Gauguin. Fue el único artista que expuso en los ocho Exposiciones impresionistas en París desde 1874 hasta 1886.
Autorretrato de Van Gogh (1886/1887)
Esta retrato por Vincent Van Gogh está en la colección del Art Institute of Chicago. Se pintó con un estilo similar al puntillismo, pero no se limita estrictamente a los puntos.
En los dos años que vivió en París, de 1886 a 1888, Van Gogh pintó 24 autorretratos. El Instituto de Arte de Chicago lo describió como empleando la "técnica de puntos" de Seurat no como un método científico, sino como "una intensa lenguaje emocional "en el que" los puntos rojos y verdes son perturbadores y totalmente en consonancia con la tensión nerviosa evidente en la obra de van Gogh. mirada."
En una carta que envió unos años después a su hermana, Wilhelmina, Van Gogh escribió:
"He pintado dos cuadros de mí mismo últimamente, uno de los cuales tiene más bien el verdadero carácter, creo, aunque en Holanda probablemente se burlarían de las ideas sobre la pintura de retratos que están germinando aquí... Siempre creo que las fotografías son abominables y no me gusta tenerlas cerca, sobre todo las de personas que conozco y amo... los retratos fotográficos se marchitan mucho antes que nosotros mismos, mientras que el retrato pintado es algo que se siente, se hace con amor o respeto por el ser humano retratado ".
Fuente:
Carta a Wilhelmina van Gogh, 19 de septiembre de 1889
Firma de Vincent van Gogh
El café de la noche de Van Gogh se encuentra ahora en la colección de la Galería de Arte de la Universidad de Yale. Se sabe que Van Gogh firmó solo aquellas pinturas con las que estaba particularmente satisfecho, pero lo inusual en el caso de esta pintura es que agregó un título debajo de su firma, "Le café de Nuit".
Observe que Van Gogh firmó sus pinturas simplemente "Vincent", no "Vincent van Gogh" ni "Van Gogh".
En una carta a su hermano Theo, escrita el 24 de marzo de 1888, dijo:
"En el futuro, mi nombre debería aparecer en el catálogo como lo firmo en el lienzo, es decir, Vincent y no Van Gogh, por la sencilla razón de que no saben cómo pronunciar este último nombre aquí".
"Aquí" es Arles, en el sur de Francia.
Si se ha preguntado cómo se pronuncia Van Gogh, recuerde que es un apellido holandés, no francés o inglés. Entonces se pronuncia "Gogh", por lo que rima con el "lago" escocés. No es "goff" ni "go".
La noche estrellada - Vincent van Gogh
Esta pintura, que posiblemente sea la pintura más famosa de Vincent van Gogh, se encuentra en la colección del Museo de Arte Moderno en Nueva York.
Van Gogh pintado La noche estrellada en junio de 1889, habiendo mencionado la estrella de la mañana en una carta a su hermano Theo escrita alrededor del 2 de junio de 1889: "Esta mañana vi el campo desde mi ventana mucho antes del amanecer, sin nada más que la estrella de la mañana, que parecía muy grande ". (en realidad, el planeta Venus, no una estrella) generalmente se considera el gran blanco pintado a la izquierda del centro de la pintura.
Las primeras cartas de Van Gogh también mencionan las estrellas y el cielo nocturno, y su deseo de pintarlos:
1. "¿Cuándo podré volver a hacer el cielo estrellado, esa imagen que siempre está en mi mente?" (Carta a Emile Bernard, c. 18 de junio de 1888)
2. "En cuanto al cielo estrellado, tengo muchas esperanzas de pintarlo, y tal vez lo haga uno de estos días" (Carta a Theo van Gogh, c. 26 de septiembre de 1888).
3. "En este momento tengo muchas ganas de pintar un cielo estrellado. A menudo me parece que la noche tiene aún más colores que el día; teniendo tonalidades de los violetas, azules y verdes más intensos. Si solo le prestas atención, verás que ciertas estrellas son de color amarillo limón, otras rosadas o verdes, azules y brillantes de nomeolvides... es obvio que poner puntitos blancos sobre el azul-negro no es suficiente para pintar un cielo estrellado ". (Carta a Wilhelmina van Gogh, 16 de septiembre de 1888)
El restaurante de la Sirene, en Asnieres - Vincent van Gogh
Esta pintura de Vincent van Gogh se encuentra en la colección del Ashmolean Museum de Oxford, Reino Unido. Van Gogh lo pintó poco después de llegar a París en 1887 para vivir con su hermano Theo en Montmartre, donde Theo dirigía una galería de arte.
Por primera vez, Vincent estuvo expuesto a las pinturas de los impresionistas (particularmente Monet) y conoció a artistas como Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard y Pissarro. En comparación con su obra anterior, que estuvo dominada por los tonos tierra oscuros típicos de pintores del norte de Europa como Rembrandt, esta pintura muestra la influencia de estos artistas en él.
Los colores que usó se han aclarado y aclarado, y su pincelada se ha vuelto más suelta y evidente. Mire estos detalles de la pintura y verá cómo ha usado pequeños trazos de color puro, separados. No mezcla colores en el lienzo, sino que permite que esto suceda en el ojo del espectador. Está probando el color roto enfoque de los impresionistas.
En comparación con sus pinturas posteriores, las franjas de color están espaciadas, con un fondo neutro que se muestra entre ellas. Todavía no está cubriendo todo el lienzo con color saturado, ni está explotando las posibilidades de usar pinceles para crear textura en la pintura misma.
El restaurante de la Sirene, en Asnieres de Vincent van Gogh (Detalle)
Estos detalles del cuadro de Van Gogh El restaurante de la Sirene, en Asnieres (en la colección del Ashmolean Museum), muestran cómo Experimentó con sus pinceladas y marcas de pincel después de la exposición a las pinturas de los impresionistas y otros parisinos contemporáneos. artistas.
"Cuatro bailarines" - Edgar Degas
Edgar Degas, Cuatro bailarines, c. 1899. Óleo sobre lienzo. Tamaño 59 1/2 x 71 pulgadas (151,1 x 180,2 cm). En el Galería Nacional de Arte, Washington.
"Retrato de la madre del artista" - Whistler
Esta es posiblemente la pintura más famosa de Whistler. Su título completo es "Arreglo en gris y negro No. 1, Retrato de la madre del artista". Su madre accedió a posar para la pintura cuando el modelo que había estado usando Whistler se enfermó. Inicialmente le pidió que posara de pie, pero como puede ver, cedió y la dejó sentarse.
En la pared hay un grabado de Whistler, "Black Lion Wharf". Si miras con mucho cuidado la cortina de arriba a la izquierda del marco del grabado, verá una mancha más clara, ese es el símbolo de la mariposa que usó Whistler para firmar sus pinturas. El símbolo no siempre fue el mismo, pero cambió, y su forma se usa para fechar su obra de arte. Se sabe que comenzó a usarlo en 1869.
"Hope II" - Gustav Klimt
"Quien quiera saber algo sobre mí, como artista, lo único notable, debe mirar atentamente mis imágenes y tratar de ver en ellas lo que soy y lo que quiero hacer". Klimt.
Gustav Klimt pintado Esperanza II sobre lienzo en 1907/8 con pinturas al óleo, oro y platino. Tiene un tamaño de 43,5 x 43,5 "(110,5 x 110,5 cm). La pintura es parte de la colección de la Museo de Arte Moderno en Nueva York.
Esperanza II es un hermoso ejemplo de El uso de pan de oro de Klimt en pinturas y su rico estilo ornamental. Mire la forma en que pintó la prenda usada por la figura principal, cómo es una forma abstracta decorada con círculos, pero todavía la 'leemos' como una capa o vestido. Cómo en el fondo se funde con las otras tres caras.
En su biografía ilustrada de Klimt, el crítico de arte Frank Whitford dijo:
Klimt "aplicó pan de oro y plata auténticos para realzar aún más la impresión de que el cuadro es un objeto precioso, ni remotamente un espejo en el que se puede vislumbrar la naturaleza, sino un artefacto cuidadosamente trabajado ". 2
Es un simbolismo que todavía se considera válido hoy en día, dado que el oro todavía se considera un bien valioso.
Klimt vivía en Viena en Austria y se inspiró más en Oriente que en Occidente, en "fuentes como Arte bizantino, orfebrería micénica, alfombras y miniaturas persas, mosaicos de las iglesias de Rávena y pantallas ". 3
Fuente:
1. Artistas en contexto: Gustav Klimt por Frank Whitford (Collins & Brown, Londres, 1993), contraportada.
2. Ibídem. p82.
3. Aspectos destacados del MoMA (Museo de Arte Moderno, Nueva York, 2004), pág. 54
Firma de Picasso
Esta es la firma de Picasso en su pintura de 1903 (de su Período Azul) titulada "El bebedor de absenta".
Picasso experimentó con varias versiones abreviadas de su nombre como su firma pictórica, incluyendo iniciales en un círculo, antes de poner "Pablo Picasso". Hoy en día generalmente escuchamos referirse a él simplemente "Picasso".
Su nombre completo era: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.
Fuente:
1. "Una suma de destrucciones: las culturas de Picasso y la creación del cubismo", de Natasha Staller. Prensa de la Universidad de Yale. Página p209.
"El bebedor de absenta" - Picasso
Esta pintura fue creada por Picasso en 1903, durante su Período Azul (una época en que los tonos de azul dominaban las pinturas de Picasso; cuando tenía veinte años). Presenta al artista Ángel Fernández de Soto, quien estaba más entusiasmado con la fiesta y la bebida que con su pintura.1, y que compartió estudio con Picasso en Barcelona en dos ocasiones.
La pintura fue puesta a subasta en junio de 2010 por la Fundación Andrew Lloyd Webber después de que se llegara a un acuerdo extrajudicial en los EE. UU. Sobre la propiedad. a raíz de una afirmación de los descendientes del banquero judío alemán Paul von Mendelssohn-Bartholdy de que la pintura había estado bajo coacción en la década de 1930 durante el régimen nazi en Alemania.
Fuente:
1. Casa de subastas de Christie presione soltar, "Christie's to Offer Picasso Masterpiece", 17 de marzo de 2010.
"La tragedia" - Picasso
Pablo Picasso, La tragedia, 1903. Óleo sobre madera. Tamaño 41 7/16 x 27 3/16 pulgadas (105,3 x 69 cm). En el Galería Nacional de Arte, Washington.
Es de su Período Azul, cuando sus pinturas estaban, como su nombre indica, dominadas por el blues.
Boceto de Picasso para su famosa pintura "Guernica"
Mientras planeaba y trabajaba en su enorme pintura Guernica, Picasso realizó muchos bocetos y estudios. La foto muestra a uno de sus composición bocetos, que en sí mismos no parecen mucho, una colección de líneas garabateadas.
En lugar de tratar de descifrar cuáles podrían ser las distintas cosas y dónde está en la pintura final, piense en ello como la taquigrafía de Picasso. Sencillo hacer marcas por imágenes que tenía en su mente. Concéntrese en cómo está usando esto para decidir dónde colocar los elementos en la pintura, en la interacción entre estos elementos.
"Guernica" - Picasso
Esta famosa pintura de Picasso es enorme: 11 pies y 6 pulgadas de alto y 25 pies 8 pulgadas de ancho (3,5 x 7,76 metros). Picasso lo pintó por encargo para el Pabellón de España en la Exposición Universal de París de 1937. Está en el Museo Reina Sofía de Madrid, España.
"Retrato de Mr Minguell" - Picasso
Picasso hizo este retrato en 1901 cuando tenía 20 años. El tema es un sastre catalán, el Sr. Minguell, a quien se cree que Picasso fue presentado por su marchante de arte y amigo Pedro Manach.1. El estilo muestra la formación que tuvo Picasso en la pintura tradicional y hasta qué punto su estilo pictórico se desarrolló durante su carrera. Que esté pintado en papel es una señal de que se hizo en un momento en que Picasso estaba en quiebra, y aún no ganaba suficiente dinero con su arte para pintar sobre lienzo.
Picasso le dio a Minguell el cuadro como regalo, pero luego lo volvió a comprar y aún lo tenía cuando murió en 1973. La pintura se puso sobre lienzo y probablemente también se restauró bajo la dirección de Picasso "en algún momento antes de 1969".2, cuando fue fotografiada para un libro de Christian Zervos sobre Picasso.
La próxima vez que estés en una de esas discusiones en una cena sobre cómo todos los pintores no realistas solo pintan abstracto, cubista, fauvista, impresionista, elige tu estilo porque no pueden hacer "pinturas reales", pregúntale a la persona si puso a Picasso en esta categoría (la mayoría lo hace), luego menciona esta pintura.
Fuente:
1 & 2. Venta de Bonhams 17802 Detalles del lote Venta de arte impresionista y moderno 22 de junio de 2010. (Consultado el 3 de junio de 2010.)
"Dora Maar" o "Tête De Femme" - Picasso
Cuando se vendió en una subasta en junio de 2008, esta pintura de Picasso se vendió por £ 7,881,250 (US $ 15,509,512). La subasta estimada había sido de tres a cinco millones de libras.
Les Demoiselles d'Avignon - Picasso
Esta enorme pintura (casi dos metros cuadrados) de Picasso se anuncia como una de las piezas de arte moderno más importantes jamás creadas, si no la lo más importante, una pintura crucial en el desarrollo del arte moderno. La pintura representa a cinco mujeres, prostitutas en un burdel, pero hay mucho debate sobre lo que significa todo y todas las referencias e influencias en él.
Crítico de arte Jonathan Jones1 dice:
"Lo que sorprendió a Picasso sobre las máscaras africanas [evidente en los rostros de las figuras de la derecha] fue la lo más obvio: que te disfrazan, te convierten en otra cosa: un animal, un demonio, un Dios. El modernismo es un arte que lleva una máscara. No dice lo que significa; no es una ventana sino una pared. Picasso eligió su tema precisamente porque era un cliché: quería mostrar que la originalidad en el arte no radica en la narrativa o la moralidad, sino en la invención formal. Por eso es erróneo ver Les Demoiselles d'Avignon como una pintura 'sobre' burdeles, prostitutas o colonialismo ".
Fuente:
1. Punks de Pablo por Jonathan Jones, El guardián, 9 de enero de 2007.
"Mujer con guitarra" - Georges Braque
Georges Braque, Mujer con una guitarra, 1913. Óleo y carboncillo sobre lienzo. 51 1/4 x 28 3/4 pulgadas (130 x 73 cm). En el Musee National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, París.
El estudio rojo - Henri Matisse
Esta pintura está en la colección de la Museo de Arte Moderno (Moma) en Nueva York. Muestra el interior del estudio de pintura de Matisse, con perspectiva aplanada o un solo plano pictórico. Las paredes de su estudio no eran realmente rojas, eran blancas; usó el rojo en su pintura para dar efecto.
En su estudio se exhiben varias de sus obras de arte y piezas de mobiliario de estudio. Los contornos de los muebles de su estudio son líneas en la pintura que revelan el color de una capa inferior, amarilla y azul, no pintada sobre la roja.
1. "Las líneas en ángulo sugieren profundidad, y la luz azul verdosa de la ventana intensifica la sensación de espacio interior, pero la extensión del rojo aplana la imagen. Matisse intensifica este efecto, por ejemplo, omitiendo la línea vertical de la esquina de la habitación ".
- MoMA Highlights, publicado por Moma, 2004, página 77.
2. "Todos los elementos... hundir sus identidades individuales en lo que se convirtió en una meditación prolongada sobre el arte y la vida, el espacio, el tiempo, la percepción y la naturaleza de la realidad misma... una encrucijada para la pintura occidental, donde el arte clásico del pasado, predominantemente representativo y orientado hacia el exterior, se encontró con el ethos provisional, internalizado y autorreferencial del futuro... "
- Hilary Spurling, página 81.
La danza - Henri Matisse
La foto superior muestra la pintura terminada de Matisse titulada El baile, terminado en 1910 y ahora en el Museo Estatal del Hermitage en San Petersburgo, Rusia. La foto de abajo muestra el estudio de composición de tamaño completo que hizo para la pintura, ahora en MOMA en Nueva York, Estados Unidos. Matisse lo pintó por encargo del coleccionista de arte ruso Sergei Shchukin.
Es una pintura enorme, de casi cuatro metros de ancho y dos metros y medio de alto (12 '9 1/2 "x 8' 6 1/2"), y está pintado con una paleta limitada a tres colores: rojo., verde y azul. Creo que es una pintura que muestra por qué Matisse tiene tanta reputación como colorista, particularmente cuando se compara el estudio con la pintura final con sus figuras brillantes.
En su biografía de Matisse (en la página 30), Hilary Spurling dice:
"Aquellos que vieron la primera versión de Bailar lo describió como pálido, delicado, incluso onírico, pintado en colores que se intensificaron... en la segunda versión en un friso feroz y plano de figuras bermellones que vibran contra bandas de verde brillante y cielo. Los contemporáneos vieron la pintura como pagana y dionisíaca ".
Tenga en cuenta la perspectiva aplanada, cómo las figuras son del mismo tamaño en lugar de las que están más lejos de ser más pequeñas, como ocurriría en perspectiva o en escorzo para pinturas representativas. Cómo se curva la línea entre el azul y el verde detrás de las figuras, haciéndose eco del círculo de figuras.
“La superficie estaba coloreada hasta la saturación, hasta el punto en que el azul, la idea del azul absoluto, estaba presente de manera concluyente. Un verde brillante para la tierra y un bermellón vibrante para los cuerpos. Con estos tres colores tuve mi armonía de luz y también pureza de tono. "- Matisse
Fuente:
"Introducción a la exposición From Russian para profesores y estudiantes" por Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londres, 2008.
Pintores famosos: Willem de Kooning
El pintor Willem de Kooning nació en Rotterdam, Holanda, el 24 de agosto de 1904, y murió en Long Island, Nueva York, el 19 de marzo de 1997. De Kooning fue aprendiz de una firma comercial de arte y decoración cuando tenía 12 años y asistió a clases nocturnas en la Academia de Bellas Artes y Técnicas de Rotterdam durante ocho años. Emigró a los Estados Unidos en 1926 y comenzó a pintar a tiempo completo en 1936.
El estilo de pintura de De Kooning fue el expresionismo abstracto. Tuvo su primera exposición individual en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948, con una obra en pintura esmaltada en blanco y negro. (Comenzó a usar pintura de esmalte porque no podía pagar los pigmentos de artista). En la década de 1950 fue reconocido como uno de los líderes del expresionismo abstracto, aunque algunos puristas del estilo pensaban que sus pinturas (como su Mujer series) incluidas incluyen demasiado de la forma humana.
Sus pinturas contienen muchas capas, elementos superpuestos y ocultos mientras reelaboraba y reelaboraba una pintura. Se permite mostrar los cambios. Dibujó en sus lienzos con carboncillo extensamente, para la composición inicial y mientras pintaba. Su pincelada es gestual, expresiva, salvaje, con una sensación de energía detrás de las pinceladas. Las pinturas finales se ven hechas pero no lo estaban.
La producción artística de De Kooning abarcó casi siete décadas e incluyó pinturas, esculturas, dibujos y grabados. Su fuente de pinturas finales a finales de la década de 1980. Sus pinturas más famosas son Ángeles rosados (C. 1945), Excavación (1950), y su tercera Mujer serie (1950-1953) realizada con un estilo más pictórico y un enfoque de improvisación. En la década de 1940 trabajó simultáneamente en estilos abstracto y representativo. Su gran avance llegó con sus composiciones abstractas en blanco y negro de 1948-1949. A mediados de la década de 1950 pintó las abstracciones urbanas, volviendo a la figuración en la década de 1960, luego a las grandes abstracciones gestuales en la década de 1970. En la década de 1980, de Kooning pasó a trabajar en superficies lisas, vidriando con colores brillantes y transparentes sobre fragmentos de dibujos gestuales.
Gótico americano - Grant Wood
gótico americano es probablemente la más famosa de todas las pinturas que jamás haya creado el artista estadounidense Grant Wood. Ahora está en el Art Institute of Chicago.
Grant Wood pintó "American Gothic" en 1930. Representa a un hombre y su hija (no a su esposa1) de pie frente a su casa. Grant vio el edificio que inspiró la pintura en Eldon, Iowa. El estilo arquitectónico es el gótico americano, de ahí el título de la pintura. Los modelos de la pintura fueron la hermana de Wood y su dentista.2. La pintura está firmada cerca del borde inferior, en el mono del hombre, con el nombre del artista y el año (Grant Wood 1930).
¿Qué significa la pintura? Wood pretendía que fuera una interpretación digna del carácter de los estadounidenses del medio oeste, mostrando su ética puritana. Pero podría considerarse como un comentario (sátira) sobre la intolerancia de las poblaciones rurales hacia los forasteros. El simbolismo en la pintura incluye trabajo duro (la horca) y domesticidad (macetas y delantal con estampado colonial). Si miras de cerca, verás que las tres puntas de la horquilla hacen eco en las costuras del mono del hombre, continuando con las rayas de su camisa.
Fuente:
gótico americano, Art Institute of Chicago, consultado el 23 de marzo de 2011.
"Cristo de San Juan de la Cruz" - Salvador Dali
Esta pintura de Salvador Dalí está en la colección de la Galería de arte y museo Kelvingrove en Glasgow, Escocia. Se expuso por primera vez en la galería el 23 de junio de 1952. La pintura se compró por £ 8,200, que se consideró un precio alto a pesar de que incluía los derechos de autor, lo que ha permitido a la galería ganar tarifas de reproducción (¡y vender innumerables postales!).
Era inusual que Dalí vendiera los derechos de autor de una pintura, pero necesitaba el dinero. (Los derechos de autor permanecen con el artista a menos que se firme, consulte Preguntas frecuentes sobre los derechos de autor del artista.)
"Aparentemente en dificultades financieras, Dali inicialmente pidió £ 12,000 pero después de algunas duras negociaciones... lo vendió por casi un tercio menos y firmó una carta a la ciudad [de Glasgow] en 1952 cediendo los derechos de autor.
El título del cuadro es una referencia al dibujo que inspiró a Dalí. El dibujo a pluma y tinta se realizó después de una visión que tuvo San Juan de la Cruz (un fraile carmelita español, 1542-1591) en la que vio la crucifixión de Cristo como si lo estuviera mirando desde arriba. La composición llama la atención por su inusual punto de vista de la crucifixión de Cristo, la iluminación es dramática arrojando fuerte oscuridady gran uso de escorzo en la figura. El paisaje en la parte inferior de la pintura es el puerto de la ciudad natal de Dalí, Port Lligat en España.
La pintura ha sido controvertida de muchas maneras: la cantidad que se pagó por ella; la materia; el estilo (que parecía más retro que moderno). Lea más sobre la pintura en el sitio web de la galería.
Fuente:
"Caso surrealista de las imágenes de Dalí y una batalla por la licencia artística"por Severin Carrell, El guardián, 27 de enero de 2009
Latas de sopa Campbell's - Andy Warhol
Detalle de Andy Warhol Latas de sopa Campbell. Acrílico sobre lienzo. 32 cuadros cada uno de 20x16 "(50,8x40,6cm). En la colección del Museo de Arte Moderno (MoMA) en Nueva York.
Warhol exhibió por primera vez su serie de pinturas de latas de sopa Campbell en 1962, con la parte inferior de cada pintura descansando en un estante como lo haría una lata en un supermercado. Hay 32 pinturas en la serie, la cantidad de variedades de sopa vendidas en ese momento por Campbell's.
Si te hubieras imaginado a Warhol llenando su despensa con latas de sopa y luego comiendo una lata como había terminado de pintar, bueno, parece que no. Según el sitio web de Moma, Warhol utilizó una lista de productos de Campbell para asignar un sabor diferente a cada pintura.
Cuando se le preguntó al respecto, Warhol dijo:
"Yo solía beberlo. Solía comer el mismo almuerzo todos los días, durante veinte años, supongo, lo mismo una y otra vez ".1
Warhol tampoco aparentemente tenía un orden en el que quería que se mostraran las pinturas. Moma muestra las pinturas "en filas que reflejan el orden cronológico en el que se introdujeron [las sopas], comenzando con 'Tomate' en la parte superior izquierda, que debutó en 1897".
Entonces, si pinta una serie y desea que se muestren en un orden particular, asegúrese de anotarlo en algún lugar. El borde posterior de los lienzos es probablemente el mejor, ya que entonces no se separará de la pintura (aunque puede ocultarse si las pinturas están enmarcadas).
Warhol es un artista que a menudo es mencionado por pintores que desean realizar obras derivadas. Vale la pena señalar dos cosas antes de hacer cosas similares:
- Sobre Sitio web de Moma, hay una indicación de una licencia de Campbell's Soup Co (es decir, un acuerdo de licencia entre la compañía de sopas y la propiedad del artista).
- La aplicación de los derechos de autor parece haber sido un problema menor en la época de Warhol. No haga suposiciones de derechos de autor basadas en el trabajo de Warhol. Investigue y decida cuál es su nivel de preocupación sobre un posible caso de infracción de derechos de autor.
Campbell no encargó a Warhol que hiciera las pinturas (aunque posteriormente encargaron una para un presidente de la junta que se jubilaba en 1964) y tenía preocupaciones cuando la marca apareció en las pinturas de Warhol en 1962, adoptando un enfoque de esperar y ver para juzgar cuál era la respuesta a la pinturas. En 2004, 2006 y 2012, Campbell's vendió latas con etiquetas conmemorativas especiales de Warhol.
Fuente:
1. Como se cita en Moma, consultado el 31 de agosto de 2012.
Árboles más grandes cerca de Warter - David Hockney
Cima: El artista David Hockney junto a parte de su pintura al óleo "Bigger Trees Near Warter", que donó a la Tate Britain en abril de 2008.
Fondo: La pintura se exhibió por primera vez en la Exposición de Verano de 2007 en la Royal Academy de Londres, ocupando toda la pared.
El óleo de David Hockney "Árboles más grandes cerca de Warter" (también llamado Peinture en Plein Air pour l'age Post-Photographique) representa una escena cerca de Bridlington en Yorkshire. La pintura realizada a partir de 50 lienzos dispuestos uno al lado del otro. Sumados juntos, el tamaño total de la pintura es de 40 x 15 pies (4,6 x 12 metros).
En el momento en que Hockney lo pintó, era la pieza más grande que había completado, aunque no la primera que había creado con varios lienzos.
" Hice esto porque me di cuenta de que podía hacerlo sin una escalera. Cuando estás pintando necesitas poder dar un paso atrás. Bueno, hay artistas que han sido asesinados dando un paso atrás de las escaleras, ¿no es así?"
- Hockney citado en un Reuter informe de noticias, 7 de abril de 2008.
Hockney usó dibujos y una computadora para ayudar con la composición y la pintura. Después de completar una sección, se tomó una foto para que pudiera ver la pintura completa en la computadora.
"Primero, Hockney bosquejó una cuadrícula que mostraba cómo encajaría la escena en 50 paneles. Luego comenzó a trabajar en paneles individuales in situ. Mientras trabajaba en ellos, fueron fotografiados y convertidos en un mosaico de computadora para que pudiera trazar su progreso, ya que solo podía tener seis paneles en la pared a la vez ".
Fuente:
Charlotte Higgins, guardián corresponsal de artes, Hockney dona un gran trabajo a Tate, 7 de abril de 2008.
Pinturas de guerra de Henry Moore
El Exposición de Henry Moore en la Tate Britain Gallery de Londres se llevó a cabo del 24 de febrero al 8 de agosto de 2010.
El artista británico Henry Moore es más famoso por sus esculturas, pero también conocido por su tinta, cera y acuarelas de personas que se refugiaron en las estaciones de metro de Londres durante la Segunda Guerra Mundial. Moore fue un artista oficial de guerra, y el 2010 Exposición de Henry Moore en la Tate Britain Gallery tiene una sala dedicada a estos. Realizado entre el otoño de 1940 y el verano de 1941, sus representaciones de figuras durmientes acurrucadas en el tren. Los túneles capturaron una sensación de angustia que transformó su reputación e influyó en la percepción popular de la Bombardeo aéreo. Su trabajo de la década de 1950 reflejó las secuelas de la guerra y la perspectiva de nuevos conflictos.
Moore nació en Yorkshire y estudió en la Escuela de Arte de Leeds en 1919, después de servir en la Primera Guerra Mundial. En 1921 ganó una beca para el Royal College de Londres. Más tarde enseñó en el Royal College y en la Chelsea School of Art. Desde 1940 Moore vivió en Perry Green en Hertfordshire, ahora hogar de la Fundación Henry Moore. En la Bienal de Venecia de 1948, Moore ganó el Premio Internacional de Escultura.
"Frank" - Chuck Close
"Frank" de Chuck Close, 1969. Acrílico sobre lienzo. Tamaño 108 x 84 x 3 pulgadas (274,3 x 213,4 x 7,6 cm). En el Instituto de Arte de Minneapolis.
Autorretrato y retrato fotográfico de Lucian Freud
El artista Lucian Freud es famoso por su mirada intensa e implacable, pero como muestra este autorretrato, se dirige a sí mismo, no solo a sus modelos.
1. "Creo que un gran retrato tiene que ver con... el sentimiento y la individualidad y la intensidad de la mirada y el enfoque en lo específico ". 1
2. "... tienes que intentar pintarte a ti mismo como otra persona. Con los autorretratos, la 'semejanza' se convierte en algo diferente. Tengo que hacer lo que siento sin ser expresionista ". 2
Fuente:
1. Lucian Freud, citado en Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citado en Lucian Freud por William Feaver (Tate Publishing, Londres 2002), p43.
"El padre de Mona Lisa" - Man Ray
"El padre de Mona Lisa" de Man Ray, 1967. Reproducción de dibujo montado sobre tablero de fibra, con puros añadidos. Tamaño 18 x 13 5/8 x 2 5/8 pulgadas (45,7 x 34,6 x 6,7 cm). En la colección del Museo Hirshorn.
Mucha gente asocia a Man Ray solo con la fotografía, pero también fue artista y pintor. Era amigo del artista Marcel Duchamp y trabajó en colaboración con él.
En mayo de 1999, Noticias de arte La revista incluyó a Man Ray en su lista de los 25 artistas más influyentes del siglo XX, por su fotografía y "exploraciones del cine, la pintura, la escultura, el collage, el ensamblaje". Estos prototipos eventualmente se llamarían arte escénico y arte conceptual ".
Art News dijo:
"Man Ray ofreció a los artistas de todos los medios un ejemplo de inteligencia creativa que, en su 'búsqueda del placer y la libertad' [la guía declarada de Man Ray principios] abrió todas las puertas a las que llegó y caminó libremente por donde podía ". (Fuente de la cita: Art News, mayo de 1999," Willful Provocateur "por AD Coleman.)
Esta pieza, "El padre de Mona Lisa", muestra cómo una idea relativamente simple puede ser efectiva. La parte difícil es tener la idea en primer lugar; a veces vienen como un destello de inspiración; a veces como parte de una lluvia de ideas; a veces desarrollando y siguiendo un concepto o pensamiento.
Pintores famosos: Yves Klein
Retrospectivo: Exposición de Yves Klein en el Museo Hirshhorn de Washington, EE. UU., Del 20 de mayo de 2010 al 12 de septiembre de 2010.
El artista Yves Klein es probablemente más famoso por sus obras de arte monocromáticas con su azul especial (ver "Pincel vivo", por ejemplo). IKB o International Klein Blue es un azul ultramar que formuló.
Llamándose a sí mismo "el pintor del espacio", Klein "buscó alcanzar la espiritualidad inmaterial a través del color puro" y se preocupó por las "nociones contemporáneas de la naturaleza conceptual del arte".1.
Klein tuvo una carrera relativamente corta, menos de diez años. Su primera obra pública fue un libro de artista. Yves Peintures ("Yves Paintings"), publicado en 1954. Su primera exposición pública fue en 1955. Murió de un infarto en 1962, a los 34 años. (Cronología de la vida de Klein desde el Archivos de Yves Klein.)
Fuente:
1. Yves Klein: Con el vacío, plenos poderes, Museo Hirshhorn, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp? key = 21 & subkey = 252, consultado el 13 de mayo de 2010.
"Pincel viviente" - Yves Klein
Esta pintura del artista francés Yves Klein (1928-1962) es una de las series que utilizó "pinceles vivos". Cubrió modelos de mujeres desnudas con su pintura azul característica (International Klein Blue, IKB) y luego en una obra de arte de performance frente a una audiencia "pintada" con ellos en grandes hojas de papel dirigiéndolos verbalmente.
El título "ANT154" se deriva de un comentario realizado por un crítico de arte, Pierre Restany, que describe la pinturas producidas como "antropometrías del período azul". Klein usó el acrónimo ANT como serie título.
Pintura negra - Ad Reinhardt
"Hay algo malo, irresponsable y sin sentido en el color; algo imposible de controlar. El control y la racionalidad son parte de mi moral ". - Ad Reinhard en 1960 1
Esta pintura monocromática del artista estadounidense Ad Reinhardt (1913-1967) se encuentra en el Museo de Arte Moderno (Moma) de Nueva York. Tiene 60 x 60 "(152,4 x 152,4 cm), óleo sobre lienzo y fue pintado 1960-61. Durante la última década y un poco de su vida (murió en 1967), Reinhardt usó solo negro en sus pinturas.
Amy Sia, quien tomó la foto, dice que el acomodador está señalando cómo la pintura está dividida en nueve cuadrados, cada uno de un tono diferente de negro.
No se preocupe si no puede verlo en la foto. Es difícil de ver incluso cuando estás frente a la pintura. En su ensayo sobre Reinhardt para el Guggenheim, Nancy Spector describe los lienzos de Reinhardt como "cuadrados negros apagados que contienen formas cruciformes apenas perceptibles [que] desafían los límites de la visibilidad" 2.
Fuente:
1. Color en el arte por John Gage, p205
2. Reinhardt por Nancy Spector, Museo Guggenheim (consultado el 5 de agosto de 2013)
Cuadro de Londres de John Virtue
El artista británico John Virtue ha pintado paisajes abstractos con solo blanco y negro desde 1978. En un DVD producido por la Galería Nacional de Londres, Virtue dice que trabajar en blanco y negro lo obliga a "ser inventivo... reinventar". Evitar el color "se profundiza mi sentido de qué color hay... El sentido de la realidad de lo que veo... se transmite mejor y con más precisión y más al no tener una paleta de aceite pintura. El color sería un callejón sin salida ".
Esta es una de las pinturas londinenses de John Virtue, realizada mientras era artista asociado en la National Gallery (de 2003 a 2005). El Sitio web de la National Gallery describe las pinturas de Virtue como teniendo "afinidades con la pintura de pincel oriental y el expresionismo abstracto americano" y relacionadas estrechamente con "los grandes ingleses pintores de paisaje, Turner y Constable, a quienes Virtue admira enormemente "además de estar influenciados por los" paisajes holandeses y flamencos de Ruisdael, Koninck y Rubens ".
La virtud no da títulos a sus cuadros, solo números. En una entrevista en la edición de abril de 2005 de Artista e ilustradores revista, Virtue dice que comenzó a numerar cronológicamente su trabajo en 1978 cuando comenzó a trabajar en monocromo:
"No hay jerarquía. No importa si mide 28 pies o tres pulgadas. Es un diario no verbal de mi existencia ".
Sus pinturas se llaman simplemente "Paisaje n. ° 45" o "Paisaje n. ° 630" y así sucesivamente.
The Art Bin - Michael Landy
La exposición Art Bin del artista Michael Landy tuvo lugar en el Galería del sur de Londres del 29 de enero al 14 de marzo de 2010. El concepto es enorme (600 m3) cubo de basura integrado en el espacio de la galería, en el que se tira el arte, "un monumento al fracaso creativo"1.
Pero no cualquier arte antiguo; tenía que postularse para tirar su arte a la basura, ya sea en línea o en la galería, con Michael Landy o uno de sus representantes decidiendo si podía incluirse o no. Si se aceptaba, se tiraba al contenedor desde una torre en un extremo.
Cuando estuve en la exposición, se lanzaron varias piezas y la persona que hizo el lanzamiento había tenido mucha práctica por la forma en que fue capaz de hacer que una pintura se deslizara hacia el otro lado del envase.
La interpretación del arte va por el camino de cuándo / por qué el arte se considera bueno (o basura), la subjetividad en el valor atribuido al arte, el acto de coleccionar arte, el poder de los coleccionistas de arte y las galerías para hacer o deshacer carreras.
Ciertamente fue interesante caminar por los lados mirando lo que se había tirado, lo que se había roto (muchas piezas de poliestireno) y lo que no (la mayoría de las pinturas sobre lienzo estaban enteras). En algún lugar de la parte inferior, había una gran calavera decorada con vidrio de Damien Hirst y una pieza de Tracey Emin. En definitiva, lo que pudiera ser se reciclaría (por ejemplo, camillas de papel y lona) y el resto se destinaría al vertedero. Enterrado como basura, es poco probable que un arqueólogo lo desenterre en siglos.
Fuente:
1&2. #Michael Landy: Art Bin ( http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp? id = 164), sitio web de South London Gallery, consultado el 13 de marzo de 2010.
Barack Obama - Shepard Fairey
Esta pintura del político estadounidense Barack Obama, collage de medios mixtos, fue creada por un artista callejero con sede en Los Ángeles, Shepard Fairey. Fue la imagen de retrato central utilizada en la campaña electoral presidencial de Obama de 2008, y se distribuyó como impresión de edición limitada y descarga gratuita. Ahora se encuentra en la Galería Nacional de Retratos en Washington DC.
1. "Para crear su cartel de Obama (lo que hizo en menos de una semana), Fairey tomó una fotografía de noticias del candidato de Internet. Buscó un Obama que pareciera presidencial... Luego, el artista simplificó las líneas y la geometría, empleando una paleta patriótica roja, blanca y azul (con la que juega haciendo que el blanco sea un beige y el azul un tono pastel)... palabras en negrita ...
2. "Sus carteles de Obama (y muchos de sus trabajos comerciales y de bellas artes) son reelaboraciones de las técnicas de propagandistas revolucionarios: los colores brillantes, las letras en negrita, la simplicidad geométrica, las poses heroicas ".
Fuente:
"El respaldo en la pared de Obama" por William Booth, El Correo de Washington 18 de mayo de 2008.
"Réquiem, rosas blancas y mariposas" - Damien Hirst
El artista británico Damien Hirst es más famoso por sus animales conservados en formaldehído, pero a los 40 años regresó a la pintura al óleo. En octubre de 2009 expuso pinturas creadas entre 2006 y 2008 por primera vez en Londres. Este un ejemplo de una pintura aún no famosa de un artista famoso proviene de su exposición en la Colección Wallace de Londres titulada "No Love Lost". (Fechas: 12 de octubre de 2009 al 24 de enero de 2010.)
noticias de la BBC citó a Hirst diciendo.
"Ahora está pintando únicamente a mano", que durante dos años sus "pinturas eran vergonzosas y no quería cualquiera que entrara "y que" tuvo que volver a aprender a pintar por primera vez desde que era un arte adolescente estudiante."1
El comunicado de prensa que acompaña a la exposición de Wallace decía:
"'Blue Paintings' da testimonio de una nueva dirección audaz en su obra; una serie de pinturas que, en palabras del artista, están 'profundamente conectadas con el pasado' ".
Poner pintura sobre lienzo es sin duda una nueva dirección para Hirst y, donde Hirst va, es probable que lo sigan los estudiantes de arte. La pintura al óleo podría volver a ponerse de moda.
Laura Porter, de About.com's Guide to London Travel, asistió a la vista previa para la prensa de la exposición de Hirst y obtuvo una respuesta a la única pregunta que estaba ansiosa por saber: ¿Qué pigmentos azules estaba usando?
A Laura le dijeron que era "azul de Prusia para todos excepto uno de los 25 cuadros, que es negro. "¡No es de extrañar que sea de un azul tan oscuro y ardiente!
El crítico de arte Adrian Searle de El guardián no fue muy favorable con las pinturas de Hirst:
"En el peor de los casos, el dibujo de Hirst parece aficionado y adolescente. Su pincelada carece de ese empuje y estilo que te hace creer en las mentiras del pintor. Todavía no puede llevarlo a cabo ".2
Fuente:
1 Hirst 'entrega animales en escabeche', BBC News, 1 de octubre de 2009
2. "Las pinturas de Damien Hirst son mortalmente aburridas, "Adrian Searle, guardián, 14 de octubre de 2009.
Artistas famosos: Antony Gormley
Antony Gormley es un artista británico quizás más famoso por su escultura Angel of the North, presentada en 1998. Se encuentra en Tyneside, al noreste de Inglaterra, en un sitio que alguna vez fue una mina de carbón, y le da la bienvenida con sus alas de 54 metros de ancho.
En julio de 2009, la obra de arte de la instalación de Gormley en el cuarto plinto en Trafalgar Square en Londres vio a un voluntario de pie durante una hora en el plinto, las 24 horas del día, durante 100 días. A diferencia de los otros plintos en Trafalgar Square, el cuarto plinto directamente fuera de la Galería Nacional no tiene una estatua permanente. Algunos de los participantes eran artistas y esbozaron su punto de vista inusual (foto).
Antony Gormley nació en 1950, en Londres. Estudió en varias universidades del Reino Unido y budismo en India y Sri Lanka, antes de centrarse en escultura en la Slade School of Art de Londres entre 1977 y 1979. Su primera exposición individual fue en la Whitechapel Art Gallery en 1981. En 1994 Gormley ganó el premio Turner con su "Campo para las Islas Británicas".
Su biografía en su sitio web dice:
... Antony Gormley ha revitalizado la imagen humana en la escultura a través de una investigación radical del cuerpo como lugar de memoria y transformación, utilizando su propio cuerpo como sujeto, herramienta y material. Desde 1990 ha ampliado su preocupación por la condición humana para explorar el cuerpo colectivo y la relación entre el yo y el otro en instalaciones a gran escala ...
Gormley no está creando el tipo de figura que hace porque no puede hacer estatuas de estilo tradicional. Más bien disfruta de la diferencia y la capacidad que nos dan para interpretarlos. En una entrevista con Los tiempos1, él dijo:
"Las estatuas tradicionales no tienen que ver con el potencial, sino con algo que ya está completo. Tienen una autoridad moral que es más opresiva que colaborativa. Mis obras reconocen su vacuidad ".
Fuente:
Antony Gormley, el hombre que rompió el molde por John-Paul Flintoff, The Times, 2 de marzo de 2008.
Pintores británicos contemporáneos famosos
De izquierda a derecha, los artistas Bob y Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blakey Alison Watt.
La ocasión fue un visionado de la pintura. Diana y Actaeon de Tiziano (invisible, a la izquierda) en la National Gallery de Londres, con el objetivo de recaudar fondos para comprar el cuadro para la galería.
Artistas famosos: Lee Krasner y Jackson Pollock
De estos dos pintores, Jackson Pollock es más famoso que Lee Krasner, pero sin su apoyo y promoción de su obra de arte, es posible que no ocupe el lugar en la línea de tiempo del arte que tiene. Ambos pintados en un estilo expresionista abstracto. Krasner luchó por ser aclamada por la crítica por derecho propio, en lugar de ser considerada simplemente como la esposa de Pollock. Krasner dejó un legado para establecer el Fundación Pollock-Krasner, que otorga becas a artistas visuales.
Caballete de escalera de Louis Aston Knight
Louis Aston Knight (1873-1948) fue un artista estadounidense nacido en París conocido por sus pinturas de paisajes. Inicialmente se formó con su padre artista, Daniel Ridgway Knight. Expuso en el Salón Francés por primera vez en 1894 y continuó haciéndolo a lo largo de su vida, al mismo tiempo que fue aclamado en Estados Unidos. Su pintura El resplandor fue comprado en 1922 por el presidente de Estados Unidos, Warren Harding, para la Casa Blanca.
Esta foto del Archivos de arte estadounidense, desafortunadamente, no nos da una ubicación, pero debes pensar que cualquier artista dispuesto a meterse en el agua con su escalera de caballete y pinturas estaba muy dedicada a la observación de la naturaleza o empresario.
1897: una clase de arte para mujeres
Esta foto de 1897 de la Archivos de arte estadounidense muestra una clase de arte para mujeres con el instructor William Merritt Chase. En esa época, hombres y mujeres asistían a clases de arte por separado, donde, debido a la época, las mujeres tenían la suerte de poder recibir una educación artística.
Escuela de verano de arte c.1900
Los estudiantes de arte en las clases de verano de la Escuela de Bellas Artes de St Paul, Mendota, Minnesota, fueron fotografiados alrededor de 1900 con el maestro Burt Harwood.
Dejando a un lado la moda, los grandes sombreros solares son muy prácticos para pintar al aire libre ya que mantiene el sol fuera de sus ojos y evita que su cara se queme con el sol (al igual que una blusa de manga larga).
"El barco de Nelson en una botella" - Yinka Shonibar
A veces es la escala de una obra de arte lo que le da un impacto dramático, mucho más que el tema. "Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar es una de esas piezas.
"Nelson's Ship in a Bottle" de Yinka Shonibar es un barco de 2,35 metros de altura dentro de una botella aún más alta. Es una réplica a escala 1:29 del buque insignia del vicealmirante Nelson, HMS. Victoria.
"Nelson's Ship in a Bottle" apareció en el cuarto plinto en Trafalgar Square en Londres el 24 de mayo de 2010. El Cuarto Plinto estuvo vacío desde 1841 hasta 1999, cuando la primera de una serie en curso de obras de arte contemporáneas, encargadas específicamente para el plinto por el Grupo de puesta en servicio del cuarto plinto.
La obra de arte antes de "Nelson's Ship in a Bottle" fue One & Other de Antony Gormley, en la que una persona diferente se paró en el pedestal durante una hora, las veinticuatro horas del día, durante 100 días.
De 2005 a 2007 se pudo ver una escultura de Marc Quinn, Alison Lapper Embarazada, y desde noviembre de 2007 fue Modelo para un Hotel 2007 de Thomas Schutte.
Los diseños en batik de las velas del "Barco en una botella de Nelson" fueron impresos a mano por el artista sobre lienzo, inspirados en telas de África y su historia. La botella mide 5x2,8 metros, está hecha de metacrilato, no de vidrio, y la abertura de la botella es lo suficientemente grande como para entrar y construir el barco.
Formato
mlaapachicagoTu cita
Boddy-Evans, Marion. "54 pinturas famosas hechas por artistas famosos". ThoughtCo, Mar. 18 de febrero de 2021, thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829.Boddy-Evans, Marion. (2021, 18 de marzo). 54 pinturas famosas realizadas por artistas famosos. Obtenido de https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829Boddy-Evans, Marion. "54 pinturas famosas hechas por artistas famosos". ThoughtCo. https://www.thoughtco.com/photo-gallery-of-famous-paintings-by-famous-artists-4126829 (consultado el 29 de marzo de 2021).
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