Más información sobre "The Red Studio" de Henri Matisse

Matisse obtiene su lugar en la línea de tiempo de la pintura debido a su uso del color. Hizo cosas con colores que nadie había tenido antes e influyó en muchos artistas que lo siguieron. De Matisse Estudio rojo es importante por su uso del color y su perspectiva aplanada, su alteración de la realidad y nuestra percepción del espacio.

Lo pintó en 1911, después de su exposición al arte islámico tradicional durante una visita a España, lo que influyó en su uso del patrón, la decoración y la representación del espacio. Estudio rojo se agrupa junto con otras tres pinturas que Matisse hizo ese año - La familia del pintor, El estudio rosa, y Interior con berenjenas - como de pie "en una encrucijada para la pintura occidental, donde el arte clásico del pasado, predominantemente representativo y orientado hacia el exterior, se encontró con el ethos provisional, internalizado y autorreferencial del futuro"1.

Los elementos que Matisse incluyó "hundir sus identidades individuales en lo que se convirtió en una meditación prolongada sobre el arte y la vida, el espacio, el tiempo, la percepción y la naturaleza misma de la realidad.

"2 O dicho de manera mucho más simple, pintó una realidad personal, el mundo tal como lo percibía y lo experimentaba, de una manera que tenía sentido para él.

Si miras sus pinturas anteriores, como Armonía en rojo, pintado en 1908, verás que Matisse estaba trabajando hacia el estilo en Estudio rojo, no apareció de la nada.

Pero la perspectiva está mal...

Matisse no entendió "mal" la perspectiva, la pintó como quería. Aplanó la perspectiva en la habitación y la alteró de cómo percibimos la perspectiva con nuestros ojos.

La cuestión de conseguir la perspectiva "correcta" se aplica sólo si estás tratando de pintar con un estilo realista, es decir, para crear una ilusión de realidad y profundidad en una pintura. Si ese no es su objetivo, entonces no puede "equivocarse" en la perspectiva. Y no es que Matisse tampoco supiera cómo hacerlo "bien"; simplemente eligió no hacerlo de esa manera.

Una pintura es, en última instancia, una representación o expresión de algo recreado en dos dimensiones, no tiene por qué hacerlo como una ilusión de tres dimensiones. Los estilos de pintura occidentales antes del Renacimiento no utilizaban lo que ahora consideramos una perspectiva tradicional (por ejemplo, el gótico). Las formas de arte chino y japonés nunca lo han hecho. El cubismo rompe deliberadamente la perspectiva, representando un solo objeto desde varios puntos de vista.

No se deje engañar pensando Estudio rojo es una pintura o estilo totalmente plano. Todavía hay una sensación de profundidad en la habitación, creada por la disposición de los elementos. Por ejemplo, hay una línea a la izquierda donde se encuentran el piso y la pared (1). Los muebles pueden reducirse a contornos, pero los bordes de la mesa aún se inclinan hacia adentro a medida que se alejan (2), al igual que la silla (3). Las pinturas en la parte posterior están claramente apoyadas contra una pared (4), aunque no hay separación de las paredes laterales / traseras (5) en la forma que hay entre el piso y la pared lateral. Pero leemos que el borde del cuadro grande está en la esquina de todos modos.

Incluso se podría decir que cada elemento de la pintura experimenta una perspectiva, pero se presenta como si el artista solo la estuviera viendo. La silla está en perspectiva de dos puntos, la mesa en uno, la ventana también se empotra en un punto de fuga. Están yuxtapuestos, casi un collage de diferentes vistas.

Una pintura engañosamente simple

Creo que esta es una pintura con una composición engañosamente simple. Puede parecer que Matisse colocó cosas en el lienzo en cualquier lugar antiguo, o que pintó la mesa primero y luego tuvo que llenar el resto del espacio con algo. Pero mire la forma en que la disposición de los elementos lleva su ojo alrededor de la pintura.

En la foto, he marcado las que para mí son las líneas direccionales más fuertes, empujando el ojo hacia arriba desde la parte inferior y hacia atrás desde los bordes, dando vueltas y vueltas para asimilarlo todo. Por supuesto, es posible ver esto de otras formas, como arriba a la derecha y luego a la izquierda. (Aunque la forma en que lee una pintura está influenciada por la dirección en la que lee el texto).

Piense en cómo ha pintado los distintos elementos, que se reducen a contornos y a los que se les da protagonismo. Observe que no hay sombras, pero hay un reflejo reflejado en el cristal. Entrecierra los ojos a la pintura para ver las áreas de luz. tono más claramente, y cómo crear una unidad en la composición.

No puede verlo en la foto, pero los contornos no están pintados en la parte superior del rojo, sino que se ven los colores debajo del rojo. (Si está trabajando en acuarela, necesitará enmascarar estas áreas, y con acrílicos probablemente pintarlo en la parte superior dada la rapidez con que se secan, pero con aceites podría hacerlo. rasga hasta el color inferior si esa capa estuviera seca).

"Matisse no solo inundó su espacio pictórico con un lago plano y monocromático en plena saturación, inundando el ángulo oblicuo del estudio; además, trataba todo lo tridimensional como nada más que contornos inscritos. Mientras tanto, los únicos objetos permitidos a todo color o modelado parecen conceptualmente planos en virtud de su ser en sí mismos planos, es decir, la placa circular en primer plano y las pinturas colgadas en la pared o apiladas contra eso."
- Daniel Wheeler, Arte desde mediados de siglo, p16.

Una pintura autobiográfica

Los elementos en Estudio rojo invitarte al mundo de Matisse. Para mí, el bit "vacío" en el primer plano se lee como espacio en el piso, donde yo daría un paso para estar entre las cosas en el estudio. Los elementos forman una especie de nido en el que se desarrolla el proceso creativo.

Las pinturas representadas son todas de él, al igual que las esculturas (1 y 2). Observe la caja de lápices o carboncillo (3) en la mesa y su caballete (4). Aunque, ¿por qué el reloj no tiene manecillas (5)?

¿Matisse describe el proceso creativo? La mesa actúa como un recipiente para las ideas de comida y bebida, la naturaleza y los materiales del artista; la esencia de la vida de un artista. Hay representación de diferentes temas: retratos, naturaleza muerta, paisaje. Una ventana para iluminación. El paso del tiempo se denota tanto por el reloj como por las pinturas enmarcadas / sin enmarcar (¿sin terminar?). Se hace una comparación con la tridimensionalidad del mundo con esculturas y un jarrón. Finalmente está la contemplación, una silla posicionada para ver el arte.

Estudio rojo inicialmente no era rojo. En lugar de eso "originalmente era un interior azul grisáceo, que se correspondía más con el blanco del estudio de Matisse tal como era en realidad. Este gris azulado bastante poderoso todavía se puede ver incluso a simple vista alrededor de la parte superior del reloj y debajo de la pintura más delgada en el lado izquierdo. Se ha debatido qué obligó a Matisse a transformar su estudio con este rojo deslumbrante: incluso se ha sugerido que fue estimulado de la manera más perceptual por la imagen residual de las verduras del jardín en un día caluroso."
- John Gage, Color y cultura p212.

En su biografía (página 81) Hilary Spurling dice: "Los visitantes de Issy [Matisse's Studio] comprendieron de inmediato que nadie había visto o imaginado algo como esto antes... [La pintura de Red Studio] parecía un segmento de pared separado con objetos rudimentarios flotando o suspendidos sobre él... A partir de ahora (1911) pintó realidades que solo existían en su mente."

Ni siquiera está bien pintado...

• "Parece como si no pudiera decidir dónde poner las cosas".
• "Es sólo una mezcolanza de bits sin tener en cuenta el diseño compositivo".
• "Podría haber retratado sus sentimientos sobre esta habitación con sus piezas de una manera mucho más agradable y tal vez no habría tenido que explicarlo".
• "Las piezas ni siquiera están bien pintadas".

Comentarios como estos (hechos en el Foro de Pintura) plantean la pregunta: "¿Qué define usted como 'bien pintado'?" ¿Necesita que sea con detalles finos y realistas? Quieres decir pictóricamente donde puede ver claramente lo que es, pero también hay una sensación de los trazos de pintura / pincel utilizados para crear la imagen? ¿Puede transmitir la sensación de una cosa sin detalles finos? ¿Es aceptable algún grado de abstracción?

En última instancia, todo se reduce a las preferencias personales, y tenemos la suerte de vivir en una era en la que existen tantos estilos. Sin embargo, solo pintar objetos para que parezcan representaciones realistas de sí mismos limita en gran medida el potencial de la pintura, en mi opinión. El realismo es solo un estilo de pintura. A mucha gente le parece "correcto" debido a la influencia de la fotografía, es decir, la imagen se ve exactamente como lo que representa. Pero eso limita tanto el potencial del medio (y la fotografía para el caso).

Saber lo que te gusta y lo que no te gusta es parte del desarrollo de tu propio estilo. Pero rechazar el trabajo de un artista sin averiguar por qué no te gusta o saber por qué se considera un gran negocio es cerrar una posible vía de descubrimiento. Parte de ser pintor es estar abierto a las posibilidades, experimentar simplemente para ver a dónde puede llevarte. Las cosas inesperadas pueden provenir de fuentes inesperadas. Una y otra vez recibo correos electrónicos de personas que han abordado varios Proyectos De Pintura diciendo que nunca antes habían hecho algo así y que estaban gratamente sorprendidos por los resultados. Por ejemplo: ¡El que se preocupa y la localización del problema!.

No creo que me gusten las pinturas de Matisse

Que le guste el trabajo de un artista no es lo mismo que comprender su importancia dentro de la línea de tiempo del arte. Hoy estamos tan acostumbrados a la perspectiva "incorrecta" que no le damos mucha importancia (sin importar si nos gusta o no). Pero en algún momento, un artista fue el primero en hacer esto.

Parte de la apreciación de El estudio rojo proviene del contexto en el que trabajaba Matisse y del concepto, no solo de la pintura real. Un ejemplo comparable serían las pinturas de campo de color de Rothko; Es difícil imaginar un momento en el que cubrir un lienzo con solo color no tenía precedentes.

Quién se escribe en los libros como maestro es una cuestión de moda y, en cierta medida, suerte, estar en el lugares o galerías correctos en el momento adecuado, con académicos y curadores que investiguen y escriban sobre su trabajo. Matisse pasó por un período en el que lo descartaron como meramente decorativo (y peor), pero ha sido reevaluado y se le ha dado un papel más destacado. Ahora está bien considerado por su simplicidad, su uso del color, su diseño.