Biografía de Ellsworth Kelly, artista minimalista.

Ellsworth Kelly (31 de mayo de 1923 - 27 de diciembre de 2015) fue un artista estadounidense que desempeñó un papel clave en el desarrollo del arte minimalista en los EE. UU. También estuvo asociado con la pintura de vanguardia y el campo de color pintura. Kelly es mejor conocido por sus lienzos "en forma" de un solo color que iban más allá de las formas cuadradas o rectangulares típicas. También produjo esculturas y grabados a lo largo de su carrera.

Datos rápidos: Ellsworth Kelly

Nacido en Newburgh, Nueva York, Ellsworth Kelly fue el segundo de tres hijos del ejecutivo de la compañía de seguros Allan Howe Kelly y la ex maestra de escuela Florence Githens Kelly. Creció en el pequeño pueblo de Oradell, Nueva Jersey. La abuela paterna de Kelly lo introdujo en la observación de aves cuando tenía ocho o nueve años. El trabajo del legendario ornitólogo John James Audubon influiría en Kelly a lo largo de su carrera.

Ellsworth Kelly asistió a escuelas públicas, donde se destacó en sus clases de arte. Sus padres se mostraron reacios a alentar las inclinaciones artísticas de Kelly, pero un maestro apoyó su interés. Kelly se inscribió en los programas de arte del Instituto Pratt en 1941. Estudió allí hasta su ingreso al ejército de los EE. UU. El 1 de enero de 1943.

Durante Segunda Guerra Mundial, Ellsworth Kelly sirvió con otros artistas y diseñadores en una unidad llamada The Ghost Army. Crearon tanques inflables, camiones de sonido y transmisiones de radio falsas para engañar al enemigo en el campo de batalla. Kelly sirvió con la unidad en el Teatro Europeo de la guerra.

La exposición al camuflaje en la guerra influyó en la estética en desarrollo de Kelly. Estaba interesado en el uso de la forma y la sombra y la capacidad del camuflaje para ocultar objetos a la vista.

Después del final de la Segunda Guerra Mundial, Kelly usó fondos del G.I. Proyecto de ley para estudiar en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston, Massachusetts. Más tarde, asistió a la Ecole Nationale Superieure des Beaux-Arts en París, Francia. Allí conoció a otros estadounidenses como el compositor de vanguardia John Cage y la coreógrafa Merce Cunningham. También se asoció con el francés. Surrealista artista Jean Arp y escultor rumano Constantin Brancusi. El uso de formas simplificadas de este último tuvo un profundo efecto en el estilo de desarrollo de Kelly.

Ellsworth Kelly dijo que un desarrollo clave de su estilo de pintura mientras estaba en París estaba descubriendo lo que él no lo hizo quiero en una pintura: "[I] seguía tirando cosas, como marcas, líneas y el borde pintado". Su descubrimiento personal de los brillantes trabajos de Claude Monet al final de su carrera en 1952 inspiró a Kelly a explorar aún más la libertad en su propio pintura.

Kelly hizo fuertes conexiones con otros artistas en París, pero su trabajo no se vendió cuando se fue para regresar a los Estados Unidos en 1954 y se estableció en Manhattan. Al principio, los estadounidenses parecían algo desconcertados por los lienzos minimalistas de Kelly de colores brillantes y formas geométricas. Según Kelly, los franceses le dijeron que era demasiado estadounidense, y los estadounidenses dijeron que era demasiado francés.

La primera exposición individual de Kelly tuvo lugar en la Galería Betty Parsons en Nueva York en 1956. En 1959, el Museo de Arte Moderno incluyó a Kelly en su histórica exposición 16 estadounidenses junto a Jasper Johns, Frank Stella y Robert Rauschenberg entre otros. Su reputación creció rápidamente.

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Ellsworth Kelly no mostró interés en expresar emociones, crear conceptos o contar una historia con su arte. En cambio, estaba interesado en lo que sucedió en el acto de ver. Tenía curiosidad sobre el espacio entre la pintura y la persona que la miraba. Finalmente abandonó las limitaciones de los lienzos cuadrados o rectangulares típicos en la década de 1960. En cambio, utilizó una variedad de formas. Kelly los llamó lienzos con forma. Debido a que solo usó colores brillantes aislados y formas simples, su trabajo fue considerado parte de Minimalismo.

En 1970, Ellsworth Kelly se mudó de Manhattan. Quería escapar de una vida social ocupada que estaba comiendo su tiempo produciendo arte. Construyó un complejo de 20,000 pies cuadrados tres horas al norte en Spencertown, Nueva York. El arquitecto Richard Gluckman diseñó el edificio. Incluía un estudio, oficina, biblioteca y archivo. Kelly vivió y trabajó allí hasta su muerte en 2015. Durante la década de 1970, Kelly comenzó a incorporar más curvas en su trabajo y las formas de sus lienzos.

A principios de la década de 1970, Ellsworth Kelly era lo suficientemente prominente en el arte estadounidense como para ser objeto de grandes retrospectivas. El Museo de Arte Moderno organizó su primera retrospectiva de Kelly en 1973. Ellsworth Kelly Pinturas y esculturas recientes seguido en 1979. Ellsworth Kelly: una retrospectiva viajó en los Estados Unidos, el Reino Unido y Alemania en 1996.

Kelly también trabajó en escultura en acero, aluminio y bronce. Sus piezas escultóricas son tan mínimas como sus pinturas. En su mayoría se preocupan por la simplicidad en la forma. Las esculturas están diseñadas para verse rápidamente, a veces de un solo vistazo.

El proyecto de arte final de Ellsworth Kelly fue un edificio de 2.700 pies cuadrados influenciado por iglesias románicas que nunca vio en su forma completa. Llamado "Austin", se encuentra en Austin, Texas, como parte de la colección permanente del Museo Blanton y se abrió al público en febrero de 2018. Las fachadas del edificio incluyen ventanas de vidrio soplado en colores simples que reflejan el trabajo de la vida de Kelly.

Ellsworth Kelly era conocido como un hombre tímido en su vida personal. Tuvo un tartamudeo cuando era niño y se convirtió en un "solitario" autodescrito. Durante los últimos 28 años de su vida, Kelly vivió con su compañero, el fotógrafo Jack Shear. Shear se convirtió en director de la Fundación Ellsworth Kelly.

En 1957, Ellsworth Kelly recibió su primera comisión pública para crear una escultura de 65 pies de largo titulada "Escultura para un gran muro" para el Edificio de Transporte en el Penn Center en Filadelfia. Fue su mayor trabajo hasta el momento. Esa pieza finalmente se desmanteló, pero todavía existe una amplia gama de esculturas públicas como parte del legado de Kelly.

Algunas de sus obras de arte públicas más conocidas incluyen:

• "Curva XXII (lo haré)" (1981), Lincoln Park en Chicago
• "Blue Black" (2001), Fundación Pulitzer Arts en St. Louis
• "White Curve" (2009), Instituto de Arte de Chicago

El trabajo de Kelly es visto como un precursor de artistas como Dan Flavin y Richard Serra. Sus piezas también se centran en la experiencia de ver arte en lugar de tratar de transmitir un concepto específico.

• Paik, Tricia. Ellsworth Kelly. Phaidon Press, 2015.